Álbumes Listas

Los 25 mejores álbumes del 2017

Nuestros editores resumen el año en 25 discos esenciales.

Contrario a lo que se habría esperado o querido, el recorrido de este año ha sido, y sigue demostrando ser, mucho más escabroso que el del anterior. Estamos viviendo el inicio de uno de los momentos clave de nuestra época, en el que cada vez surgen más disputas y debates alrededor de ideas como la libertad de expresión y sus límites, de lo innato y lo adquirido, de los mecanismos de poder, de los abusos y la repartición de la justicia, del carácter moral de los avances tecnológicos y hasta de la realidad misma. La música, como cualquier otra manifestación artística, existe como parte de estos nudos socioculturales; en el caso del todavía presente 2017, y en respuesta a las dificultades, ha habido demostraciones discográficas que atienden al escapismo; en el extremo opuesto están las protestas; y en el medio de ambas, la experiencia personal amplificada. Sea cual sea su propósito, el álbum musical full-length sigue siendo un apoyo para quienes buscan su cobijo. Estas son los mejores ejemplos de este año.

25.- Reassemblage – Visible Cloaks

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En su segundo trabajo de estudio, el dúo portlandés conformado por Spencer Doran y Ryan Carlile ha llevado al extremo sus influencias más “cultas”, tomando como inspiración la historia de la electrónica experimental japonesa, el ambient, el new age y la música concreta. Reassemblage se encarga de replicar sonidos análogos a base de sintetizadores, y de reproducirlos y reorganizarlos de tal forma que el resultado final sea acústicamente irreconocible; una forma completamente nueva de hacer naturalismo. Desde piezas que imitan la cadencia del habla hasta paisajes sonoros plenamente detallados, Visible Cloaks realmente ha tropezado con algo especial.

Por Urian

24.- The Dusk In Us – Converge

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Desde los días de Halo in a Haystack, Jacob Bannon y Kurt Ballou se han hecho de una carrera explotando el loophole existente entre el metal, el punk y el post-hardcore. Ocho lanzamientos después, The Dusk In Us no es la excepción. Aunque los instrumentales de estas trece canciones existen, casi exclusivamente, dentro de umbrales técnicos y de decibelaje extremo, los momentos emotivos levantan al álbum de su complejidad abismal. Cuando en la superficie podría parecer una obra frívola y obsesionada con la intensidad premeditada, en su centro, lo último de Converge sigue tocando las mismas fibras afectivas que el emo de siempre.

Por Urian

23.- Reaching For Indigo – Circuit des Yeux

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Hace ya tiempo que Radiohead hizo Kid A, y con este le dio una calidez y característica ceremonial a lo electrónico. Su música tiende a ser algo cohibida, pero no disminuye su ansia por decir y sentir, al momento que construye una atrayente personalidad. Haley Fohr no es extraña a las dificultades de hacerse presente, incluso al tener una voz tan sustancial y dramática. En esta última entrada del año, que más que seguro necesita mayor atención, ya no pelea por espacio. No existe más una pelea por cercenar. Su música llega como resolana, como un acontecer que premia la meditación y se muestra puntilloso después de que los ojos se acostumbran a su tenue apariencia.

Por Diego

22.- GodfatherWiley

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Sin querer redundar de más con lo ya dicho en nuestra lista de lo mejor del hip-hop, Godfather, a final del año, es más una victoria de lo aislado que de lo globalizado. Ha pasado muchísimo con el hip-hop y este se despilfarra por doquier. Lo que pensamos –que tal vez sería el ambiente perfecto para que el grime, en su resurgimiento, lograra al fin un crossover– no fue cierto. Lo que sí sucedió fue que el padrino de la subcultura transmite, fuerte y directo, que años de tradición siguen latentes sin importar quién escuche. Más allá de grime, Godfather enseña sus credenciales en una larga historia de música electrónica inglesa, y su inmensa capacidad cuando se despliega en otros estratos.

Por Diego

21.- I See You – The xx

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Cuando Jamie xx lanzó In Colour en el 2015, varios supusimos que el estilo dance del álbum sería la base del siguiente material de The xx, y cuando I See You al fin llegó, bastaron los primeros horns de “Dangerous” para saber que el trío británico había dado rienda suelta a Jamie Smith en la música. Si para muchos Coexist representó un bache después del impacto inicial de la banda, I See You debería ser punto de inflexión para propios y ajenos, ya que el sonido del álbum mantiene la esencia de la banda, agregando suficiente calidez como para ganarse a los escépticos que no veían en The xx nada más que un grupo “minimalista”.

Por Sebastián

20.- Imaginations – Molly Nilsson

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En su séptimo álbum de estudio, la productora y cantautora sueca decanta y consolida las cualidades más interesantes del sonido que le tomó poco más de una década perfeccionar. Así como These Things Take Time (2008) y Europa (2009) fueron catalogados como productos de la camada hipnagógica de Ariel Pink, Imaginations recobra sus inspiraciones del sophistipop de los ochenta; abundan saxofones, elementos rítmicos afro-latinos y otras referencias, y se abren paso entre las reverberaciones melancólicas que se han vuelto tradición en los dedos de Molly Nilsson. Más que otra cosa, esta obra es una válvula de escape para las emociones enclaustradas del pasado.

Por Urian

19.- async – Ryuichi Sakamoto

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Un regreso triunfante ante la enfermedad. El complemento a una película de Tarkovsky que no existe. Esta fue la promesa de una de las voces más únicas y relevantes para los círculos de música que aun hablan del “clásico moderno”. Sakamoto ya está lejos de justificar su obra y mucho menos un entorno musical. Async canaliza diferentes niveles de expresión sin ver simplicidad o apertura como obstáculos. Es uno que explora la naturaleza y su fantasía a través del escapismo y lo contemplativo. Es un álbum que desconoce el fracaso y por lo mismo se vuelve cómplice de la misma victoria. Un referente inmediato de las delgadas líneas entre pasado y futuro, clásico y moderno.

Por Diego 

18.- Saturation (I, II, III) – Brockhampton

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¿Cómo hacerse notar en un lugar repleto? Saturando, de manera que se llegue al objeto. Brockhampton es la nueva encarnación de la metodología de números Wu Tang; es la mejora del colectivo artístico DIY; es una continuación de las aspiraciones de Kanye West por una definición hip-hop menos restrictiva, más artística. Una trilogía de álbumes dedicada, atrevida y luminosa, que pretende ser igual de valiosa por donde se aborde. Si es por el banger o la balada, por el corto o el video musical, aquí hay una obra completa.

Por Diego

17.- Forget – Xiu Xiu

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La agrupación ya tiene un catálogo suficiente como para dar a entender su naturaleza ecléctica de ambición y confrontación. Forget se acerca al corazón de la juventud que vive dentro de la subcultura y deja clara su verdadera dinámica y valor. Aquí se da una invitación a lo grotesco, al espectro de lo que pasa en la vida en búsqueda del glamour y el exceso. Una que se celebra a sí misma, como la capaz de ser activamente aventurera y vivencial; que se siente morbosamente orgullosa de su propia identidad. Queda claro que esta es una que, al final, vive tanto amor como odio; amor a toda la belleza de nunca decir que no y sus recompensas, mientras que también vive diario el odio, al abrir una puerta a demonios internos y una delicada vida que se ve en decadencia.

Por Diego

16.- Flying Microtonal Banana – King Gizzard & The Lizard Wizard

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Pocas hazañas musicales han sido tan comentadas en el 2017 como el anuncio de King Gizzard que decía que durante el año la banda lanzaría cinco álbumes. La apuesta, sin duda sumamente ambiciosa, comenzó con Flying Microtonal Banana. La banda venía fresca de Nonagon Infinity, un material que está diseñado para escucharse en un loop infinito, por lo que no resulta extraño que buscaran algo para superarse en cuanto a curiosidades conceptuales. En esta ocasión, decidieron hacer un álbum de música microtonal. Durante las primeras notas de “Rattlesnake”, canción que da inicio a Flying Microtonal Banana, el cerebro sufre un shock después de haber estado acostumbrado por años a las escalas y temperamentos occidentales, pero una vez que el riff principal hace su entrada, el oído ya se encuentra listo para entrar a un mundo de armonía musical que debería ser más explotado por músicos de rock occidentales.

Por Sebastián

15.- Science Fiction – Brand New

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La idea del quinto álbum de Brand New se convirtió en el Chinese Democracy de los muchachos millennials afligidos. No obstante, con algunas señales de vida de por medio en forma de sencillos, Science Fiction fue lanzado con poco ruido y muchas nueces; generando un impacto tal en los devotos fans de la banda que el material llegó al número uno del Billboard 200. Antes de este regreso triunfal habían pasado ocho años sin un LP de Brand New, un periodo suficientemente extenso como para encontrar a los miembros de la banda en una etapa totalmente diferente de sus vidas. Ahora, esto no significa que la eterna aflicción de las letras que caracterizan a Jesse Lacey no estén presentes, solo que ahora provienen de un sujeto a punto de llegar a los 40, con un estatus de ídolo que cada vez se encuentra más en el pasado. En términos sencillos, Science Fiction es el material más maduro, accesible y detallista de la banda.

Por Sebastián

14.- Ty Segall – Ty Segall

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El garage punk, históricamente, ha sido un género que se presta para discografías extensas, a veces consistentes de varios álbumes lanzados en un año. Desde que Ty Segall entró a escena con su proyecto solista en el 2008, ha lanzado nueve álbumes, eso sin contar los grabados con sus múltiples bandas alternas como Fuzz o GØGGS. Mantener un flujo constante de ideas requiere una diversificación casi necesaria, por lo que muchos de estos músicos híper productivos tienden a separarse de sus géneros originales, para así crear un estilo propio consistente de influencias cada vez más eclécticas. Este año comenzamos a ver esto con los ya mencionados King Gizzard, sin embargo, Ty Segall ya es un veterano en la materia. Su segundo álbum homónimo es un catálogo de su camaleónica habilidad para saltar entre subgéneros de rock, mezclando baladas acústicas con estruendosos himnos impulsados a base de fuzz y solos de guitarra. Segall nunca ha sonado tan profesional como en Ty Segall, de igual manera, sus múltiples influencias –Stooges, Black Sabbath, T. Rex– nunca habían sonado tan bien juntas.

Por Sebastián

13.- Nightmare Logic – Power Trip

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El metal, sobre todo en ojos alternativos, ha cedido paso en sus estilos “tradicionales” para dejar que subgéneros como el doom, o el black en sus versiones más novedosas, tomen los reflectores. Es por eso que resulta sorpresivo que un álbum basado casi en su totalidad en thrash de la vieja escuela sea considerado como uno de los mejores lanzamientos del año. Nightmare Logic no es nada que no hayamos escuchado, pero a la vez, su sonido es inmediatamente cautivador y revitalizante. Power Trip y su thrash con esencia de hardcore son herederos de la mejor tradición de creación de riffs del género, el cual se ha visto últimamente enmarañado en ambiciones de progresivo y roces con el death. Lo simple es la clave para hacer un throwback que, en manos menos cuidadas, pudo haber sido tachado y descartado por poco original o inventivo.

Por Sebastián

12.- Need To Feel Your Love – Sheer Mag

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En su apropiación de un género cuyo atractivo fue el hedonismo irreflexivo, el conjunto de Philadelphia encontró una plataforma para resonar su conciencia –tanto la íntima como la política. Correspondiente a una primera impresión, el brío, la alegría y la soltura instrumentales de este full-length (que mucho le pide prestado a estilos como el funk y el power pop) parecen desentonar con los pinchazos voluntariosos de Tina Halladay; sin embargo, una vez que las mezclas de baja fidelidad han permeado en el cuero cabelludo, es evidente que Need To Feel Your Love no podría ser de ninguna otra manera. Hay que estar agradecidos con Sheer Mag: en una época en la que, en la mente de muchos, el hard rock no es más que un harapo vergonzoso, hoy puede volver a ser hip; al menos por 38 minutos y 34 segundos.

Por Urian

11.- American Dream – LCD Soundsystem

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El último peldaño discográfico de LCD Soundsystem ha sido grandemente criticado por anular el valor sentimental de la despedida de ensueño de la banda, misma que fue hecha oficial en abril del 2011. Para quienes sean capaces de soltarse de sus romanticismos obtusos, American Dream permanecerá como una celebración de los ciclos que se cierran y se abren, y como un homenaje a los géneros que hicieron posible la existencia de bangers como “Give It Up” y “North American Scum” en primer lugar. Si han de servir de algo, que los años de ausencia sean para entrar con oídos frescos a este último esfuerzo de James Murphy y compañía.

Por Urian

10.- Nothing Feels Natural – Priests

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Contrario a lo que se esperaría de un álbum de guitarras en el 2017, el debut de esta banda de punk y post-punk de Washington D.C. trepida y se despliega con energía y versatilidad. Gestos inesperados, como vientos de free jazz, pianos de swing y hasta piezas neoclásicas conviven, sin obstrucciones, con los riffs de una cuerda, los puentes de noise rock y los acentos sincopados que son característicos de aquellos géneros; las líneas de high tom de Daniele Daniele y las vocales dentadas de Katie Alice Greer son claros protagonistas. Por estas gracias, escuchar Nothing Feels Natural es como volver a experimentar el momento cumbre de las contracorrientes de finales de los setenta.

Por Urian

9.- Reflections of a Floating World – Elder

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La paulatina marcha de Elder para llegar del stoner al progresivo llegó a su conclusión lógica con Reflections of a Floating World. Este trabajo, que ya se veía venir desde el excelente Lore lanzado en 2015, ve a la banda lanzarse de lleno en el metal progresivo, sobre todo en uno de vena muy similar al ya legendario Crack the Skye de Mastodon. Afortunadamente, Elder logra evitar la chaqueta musical tan común del progre y en lugar de poner énfasis en lo técnico, el álbum hace hincapié en el espacio, la textura y los ambientes. Claro, con uno que otro riff épico y grandilocuente de por medio.

Por Sebastián

8.- Who Told You To Think ??!!?!?!?! – Milo

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Una de las figuras más definitivas para el hip-hop contemporáneo. Para bien o para mal, Milo tiene complejo de pensador, y este se ha visto afectado en una incesante ambición por encontrar un lugar dentro de la música. No cómodo con el género, no cómodo con la alternativa, no cómodo como poeta, parece que el artista se resigna un poco; dándole al álbum, al mismo tiempo, la capacidad de servir como una terapia profunda, en búsqueda de la introspección de un creativo que ya se ve menos obsesionado con pelear consigo, y que ahora, más bien, da la apertura a gozar de su propio elemento.

Por Diego

7.- Relatives in Descent – Protomartyr

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El valor estilístico, sencillo y efectivo de Protomartyr es una cosa pero, con al menos ya otras dos entregas de calidad, tal vez lo justo sea pensar en el valor discursivo, también ampliamente trabajado en la banda. Con una especie de complejo de alma vieja, la música de Relatives in Descent confronta lo familiar y fraternal desde lo individual; ve darle sentido a la sensibilidad de la experiencia mundana con una reflexión apoyada por la historicidad y lo mitológico. Como una reflexión continua del presente, es un monólogo de su impacto y respectivo marco referencial; de la pesadez de ser alguien social bajo el ala de la urbanidad. De otra manera, como Casey deja claro al principio, esta individualidad reflexiva ante lo social es vivida como un entendimiento privado.

Por Diego

6.- Common As Light and Love Are Red Valleys of Blood – Sun Kil Moon

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El misticismo al que corresponde el trabajo lírico de Mark Kozelek, desde sus aportaciones al slowcore de Red House Painters hasta su larga lista de colaboraciones y proyectos solistas, siempre ha consistido de su manejo literal, siempre inoportunamente honesto, del idioma inglés. En el 2014, con Benji, se sumergió en una fotografía instantánea de las tragedias cíclicas en la historia de su tierra y su familia. El año siguiente, con Universal Themes, le asignó su cruda iteración de simbolismos a los eventos más significativos (o triviales, dependiendo de la apreciación) de su vida diaria. Ahora, el originario de Massillon, Ohio, se ha dispuesto a comentar todos los sucesos de relevancia política y social que logran llegar hasta su oído; incluyendo misterios criminales y la elección presidencial de 2016. Folk mordaz, inadecuado y enfermizo –lo que Kozelek nos ha enseñado a esperar de él– es lo que nos ofrece en Common As Light.

Por Urian

5.- A Crow Looked At Me – Mount Eerie

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Que quede claro que, fundamentalmente y al final del día, todo lo que hablamos acerca de música concierne al arte, y por más que haya mercados que sustentan a este como industria, el arte es un vehículo expresivo. Cada quién tiene la decisión de tomar esto como quiera y darle la importancia que guste como consumidor. A Crow Looked at Me, desde el principio, se declara a sí mismo como un ejercicio difícil e íntimo. No busca embellecer las cosas en el sentido abstracto, contemplativo ni reflexivo, sino que las expresa puramente en un formato casi documental. Elverum, a quien es preciso juzgar como una persona privada, no hace más que darle lugar a la pérdida de su esposa con todas sus memorias, tanto físicas como intangibles, dentro de su propio lenguaje; mismo que siempre ha sido uno dedicado, humano y sincero. Como pocas veces pasa, aquí tanto el artista como la industria y el consumidor son capaces de comprender, y así entrar en sintonía en lo que fundamentalmente se supone que nos lleva e importa sobre el arte.

Por Diego

4.- You’re Not As _____ As You Think – Sorority Noise

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La premisa del emo es el derroche de emoción y sentimiento en letra y música, pero lo de Sorority Noise es suficiente como para considerar crear la etiqueta de extreme emo. La tragedia suele ser un buen punto de partida para el arte, pero la pérdida de múltiples amigos jóvenes en el transcurso de un año raya en lo intraducible. Sin embargo, Cameron Boucher logró tomar las partes más profundas de su trauma emocional para realizar así una pequeña obra maestra del emo revival, que se siente suficientemente íntima para entender el dolor del protagonista y suficientemente épica para querer ser parte del mismo una y otra vez.

Por Sebastián

3.- Melodrama – Lorde

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Pure Heroine lanzó a Ella Yelich-O’Connor al estrellato gracias a la soltura de su estilo; mismo que incorpora ingredientes del dream pop y el post hip-hop que mucho se han manifestado, en tiempos recientes, en el panorama musical de las grandes firmas discográficas. Sin embargo, la plusvalía que apartó a Lorde del resto de los astros radiofónicos del momento fue su habilidad para componer e interpretar canciones profundamente personales y letras de robusta voluntad. En Melodrama, la neozelandesa continúa con esta tendencia y construye sobre de ella, logrando su mejor y más polifacético álbum hasta la fecha. Adosado de lo que sólo podría ser descrito como grano fotográfico traducido a sonido, este álbum es pop expresionista en el mejor de sus semblantes.

Por Urian 

2.- Big Fish Theory – Vince Staples

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La voz de Juicy J hoy lleva mensajes más complicados de lo normal. Vince ha estado en una misión por acabar con el mito del MC, de la celebridad y todo lo que esto conlleva. Los extremos de la fama en Kanye West, la violencia de la costa oeste, el exceso del dirty south y demás símbolos de la cultura hip-hop son confrontados como una realidad social, pero también como una gran fantasía. El mundo que habita este álbum es uno narcisista y a veces desensibilizado que, incluso así, no logra huir de su propia tragedia. En lo que suena como el banger futurista, hay una voz que no glorifica sino que define lo peligroso e hipócrita del estado caníbal actual dentro del género.

Por Diego

1.- CTRL – SZA

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La eterna promesa de la llegada de SZA valió la pena, ya que más allá de lo que muchos esperaban, CTRL se convirtió inmediatamente en uno de los mejores debuts de la década. Los temas del álbum, acerca del miedo de no tener control, tanto en las relaciones como en la vida, son relatados de manera sumamente personal y vistos desde una experiencia muy ajena a la mayoría: aquella de la juventud afroamericana contemporánea. No obstante, no hay que haber crecido en la comunidad negra de Estados Unidos para digerir los sentimientos de amor no correspondido y la sensación de no tener dicho ni palabra en el mundo. Aunado a esto, la producción rompe con lo que se espera de un álbum de r&b en el presente, dando un pincelazo minimalista a un género que hoy sufre de exceso de adornos.

Por Sebastián

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