The Perfect Angle: los 10 mejores videos musicales de julio

Los VMA están a la vuelta de la esquina: los premios dirigidos exclusivamente a las direcciones de los visuales que dan vida a las canciones de los artistas más famosos. Para seguir conmemorando, he aquí un compilado de lo mejor que ha ofrecido el mes de julio: un mes plagado de revelaciones culturales, direcciones muy innovadoras y ediciones bastante exageradas. Por otro lado, hubo un poco de reciclaje de corrientes, nada de lo que nos podamos liberar.

El poder que MTV ha adquirido en la actualidad se manifiesta como una influencia grandísima sobre la cultura juvenil de todos los tiempos, de aquí a muchas otras décadas más. Como siempre, es el objetivo de esta columna, The Perfect Angle, permitirle a la audiencia crear un punto de vista propio. Es interesante analizar los derechos que creen que tienen las marcas corporativas líderes. Son las que fijan el curso que se ven forzadas a seguir las maleables mentes verdes de sus espectadores. Pregúntate: ¿en verdad tienen el derecho de nombrar a lo popular, lo mejor?

10. JAY-Z – “4:44” (Dir. TNEG (Roc Nation))

La cultura se subleva y los rastros del miedo que han causado todos los errores que hemos cometido como humanidad van a salir a la luz tarde o temprano. Es preciso arrepentirnos y agradecer que la psicología inversa que hemos usado contra lo desconocido, contra lo diferente, contra las demás culturas, no ha decidido revelarse, sino adaptarse y usar las herramientas más básicas que les hemos brindado para expresarse.

Injertos de menosprecio, el talento en la infancia y una dirección de arte impresionante -todo aunado a una coreografía compulsiva con contorsiones violentas pero narrativas- son los retazos individuales que conforman una pieza cinematográfica considerara ya short-film, que nos relata el dolor que acontece dentro los límites de la marginación. Poco más de ochenta años, le ha costado a la cultura afroamericana hacer ver al mundo su valor social, tener el lugar que toda sociedad merece por el simple hecho de existir. Y alrededor de veinte años le tomó dejar su marca específica en el mundo del arte. En la escena musical es donde más se notan estos avances. Jay Z está formando parte ya de la siguiente generación de artistas de este estilo, junto con varios otros artistas hermanos. Están dando el siguiente paso para su cultura, después de tener una buena historia y de haber contribuido a crear esta huella única. Tienen los elementos necesarios para mirar hacia atrás, para hacer una retrospectiva, para contar su historia.

 

 

9. Mount Kimbie – “Blue Train Lines” ft. King Krule
(Dir. Raf Fellner & Tegen Williams)

La narrativa audiovisual es un arte bastante explorado y, muchas veces, difícil de innovar. La diferencia entre una narrativa y un vídeo musical estándar es que en este último no existe la obligación por el relato de una historia y hasta se ha convertido en un elemento extremadamente subestimado en la videografía de la música popular; pero no para Mount Kimbie.

Ciertamente fue una decepción para los fans de King Krule no poder ver su esperado regreso ahora en vídeo, pero no se convierte sino en un detalle que únicamente nos distrae del plato fuerte de esta narración. Es una historia que no nos hace falta indagar mucho para entender, ya que, como parte del lanzamiento del videoclip, fue publicada una no tan corta descripción en Youtube para todos aquellos a quienes nos ciegan las apariencias y necesitamos un pequeño empujón para entender los mensajes cabales que aquellos directores tan nerds y clavados como Raf Fellner y Tegen Williams (gracias al cielo) dejan sobre sus trabajos.

Este video cuenta la historia de dos antropólogos y su estudio sobre lo que parece ser el último miembro de una tribu nativa americana: desde su profunda investigación hasta su rápida decadencia hacia la locura. La relación que guarda el video con la canción es profunda; es decir, existe una coherencia bastante acertada. Por ejemplo, “Blue Train Lines” es una referencia a las venas de nuestro sistema circulatorio y, al momento que Kimbie entra con el primer verso, nos habla de situaciones con el potencial de acelerar dicho sistema, justo a tiempo para que los primeros escenarios se sumen a dar el soporte visual -claustrofobia, TOC, entre otros-. Y ya para el tiempo en que nos han convencido que el screen recording es la otra cara narrativa del video, se exponen tomas de la grabación misma –outtakes de sobre cómo obtenían las tomas de los libros-. Al parecer, tendrás que verlo unas veinte veces para no perderte ningún detalle de la travesía de Raf & Tagen.

 

 

8. alt-J – “Deadcrush” (Dir. Young Replicant)

En junio de este mismo año, alt-J terminó de estrenar su reinvención con la publicación de su más fresco trabajo, Relaxer. Es un álbum donde las inspiraciones de cada uno de los integrantes convergen realmente para dar, no uno, sino muchos resultados, por lo que la falta de un concepto central no se convierte en una debilidad para Relaxer, sino en una característica que lo hace más interesante, que convierte a cada canción en un individuo aparte. Así es como obtenemos “Deadcrush”, un single inspirado en los amores perdidos de algunos integrantes de la banda, mujeres que yacen muertas hace décadas, o hasta siglos. Los fechados mortales son amores a los que no pueden sino lamentar y rendir culto de la forma vanguardista que la segunda mitad del siglo XX aprendió a ofrecer.

La reina de Inglaterra, Ana Bolena, la famosa fotógrafa americana, Lee Miller, y la también americana novelista, Sylvia Plath -responsable de ser inspiración para otros proyectos musicales-, son las susodichas dead crushes alrededor de las cuales gira este concepto. Ubicado en un futuro post-apocalíptico (no te pases de original), que ahora cuenta con proyecciones capaces de hacer revivir a nuestros amores del pasado, en un templo modernista hecho ruinas, se desenvuelven los casi cinco minutos de sincronía que nos interesan.

Realmente, ni el concepto ni la gran mayoría de las tomas la hacen de plato fuerte para este video; lo que nos interesa son esas coreografías en perfecta sincronía (artísticas y violentas), el buen manejo de las sombras (que sin mucha saturación nos permiten ver la acción) y, en buena medida, los vestuarios que en paleta combinan con las paredes del templo.

 

 

7. JAY-Z – “The Story of O.J.” (Dir. Mark Romanek & JAY-Z)

La única razón por la que ‘The Story of O.J.” no está en el primer lugar de esta lista es que no podemos aplicar métodos objetivos a trabajos tan abstractos, especialmente en pleno movimiento vanguardista, donde todo mundo tiene derecho a trabajar en lo que le nazca. Pero, especialmente, no podemos comparar trabajos de ilustración con trabajos de cámara -no es que ninguno sea mejor que otro-; pocas veces al año nos encontramos con trabajos como estos, trabajos donde la historia es el punto de atracción, el plato fuerte, y la animación no es sino un medio, cosa que muchos artistas no saben balancear del modo debido (o al menos no si planean llegar a un estado icónico).

Afortunadamente, este no es el caso de ‘The Story of O.J.”, ya que reúne sin problemas los elementos necesarios para quedar inmortalizado en la historia: el relato de cómo nació la primera retrospectiva masiva sobre una cultura completa y sus opresores, justo aquí, en la escena musical. Desde semanas antes de su anunciado estreno, el regreso de JAY-Z fue augurado como polémico, pero hasta las bocas de los más previsores se desplomaron al suelo después del momento; nadie se esperaba esto. Muchos ratos incómodos, muchas lágrimas y casi 25 mil dislikes nunca van a ser suficientes para cubrir la importancia de este acontecimiento, ni para oscurecer la franqueza con la que Jay cuenta las cosas. Pero el problema surge desde el trono de la cultura blanca dominante: personas que no están acostumbradas a pisar terrenos ajenos, personas que no les importaría morir en el mismo piso del que nacieron, conservadores extremistas.

Guerra y conquista; represión y resignación. En palabras de JAY-Z: “Es una canción acerca de nosotros como cultura, tener un plan, cómo vamos a impulsarlo […], transformarlo en algo más grande“. Desde el esclavismo negro, donde los separaban entre trabajadores de campo (Field nigga) y sirvientes caseros (House nigga), hasta referencias más vanguardistas, donde existe una disputa racial entre los pieles clara (Light nigga) y los de piel negra (Dark nigga), Jay tiene un mensaje contundente, innegable y, para estos tiempos, necesario: still nigga. Todo esto queda enmarcado a la perfección dentro de los límites de la animación setentera -usada de forma satírica-, hasta llegar a la vívida imagen de la infinita Nina Simone, pasando por consejos para dealers callejeros. Este videoclip aguarda tantas referencias que únicamente está dirigido a aquellas personas con un mínimo sentimiento de empatía por el prójimo.

 

 

6. Evripidis and His Tragedies – “Dreamboat” (Dir. Stanley Sunday & Miquel Cañellas)

Evripidis vive con el hombre de sus sueños y tiene un público no muy convencido con el posmodernista video para ‘Dreamboat’: la metáfora de cualquier persona para describir a ese su crush platónico que no puede sacarse de la cabeza. La videografía de Evripidis nunca se ha caracterizado por una gran producción ni por conceptos complicados. Al contrario, es en ella donde reside la magia creativa para hacer grandes cosas con poco presupuesto, para poner a prueba esos años de escuela de fotografía, de manejo de colores y, encima de todo, poner en práctica la cultura de Barcelona sobre la que se desenvuelve aquel hombre que encontró en la madurez el espacio artístico para presentar a su alter ego. Y, por eso, la cultura dank y el surrealismo no se habían sentido tanto en casa. Al menos no después de convivir libremente dentro de la paleta de colores vintage que incorpora la estética de este clip, donde la comedia es el aperitivo que nos mantiene concentrados en el tema del video, que al principio podría parecer es que es amor, pero en realidad es la convivencia entre este amor ajeno y una sociedad abierta; es decir, la aceptación.

Stanley y Miquel, no pudieron dar un tiro más errado para lanzar la primera soga en la cultura de España hacia la nueva ramificación que puede tomar el surrealismo en el país, ya que últimamente se ha vuelto un estilo cada vez más popular. Es un homenaje muy a su manera para directores de verdad revolucionarios en esta corriente, como Dimitri Basil, que en sus trabajos deja ver el futuro de la dirección.

 

 

5. Hercules & Love Affair – “Omnion” (Dir. Crowns & Owls)

Más allá de la barrera entre lo surrealista y lo explícito, se encuentra el militarismo. Y muy en el centro de la corriente, encontramos el nuevo video de Hercules & Love Affair, “Omnion”: un culto al arte de la iluminación y la arquitectura moderna.

Las etapas del duelo, combinadas con la búsqueda que emprende un individuo para intentar encontrarse a sí mismo, así como la autoexploración, son los conceptos más complejos que los directores de Crowns & Owls pudieron encontrar para aunar a su brillante método minimalista influenciado por el cubismo, para darnos un buen plato de “¡¿Qué?!”. De principio a fin, el video es toda una referencia. Cuando prendemos la luz, creamos; entonces, nacemos. Pero luego no sabemos a dónde ir, lo único que sabemos es que estamos buscando a aquella persona que nos va a acompañar por el resto de nuestras vidas, la que no será ningún ser fuera de nosotros, sino dentro: nos buscamos a nosotros mismos. Entonces, empieza el aprendizaje, comienza nuestra asunción. Cada cuarto en el video representa una exploración diferente -o sea, un acercamiento- y de cada uno de ellos no podemos sino aprender lo que tenga para enseñarnos, sólo para después seguir nuestro camino hacia la trascendencia. Pero este no será un camino fácil; es un camino lleno de revelaciones; al principio, el miedo, la tristeza y, justo a la mitad, el sentimiento de querer rendirse. Después de la primera mitad del video, no es difícil darse cuenta de lo bien representadas que están las siguientes faces. Podemos ver la lucha de nuestro protagonista, la confusión, como preámbulo la desesperación, justo antes de llegar a nuestro destino: el renacimiento, un nuevo comienzo. Como es parte de asumir en el minimalismo, los pocos elementos con los que contamos tienen que ser sumamente emblemáticos si es que estamos tratando de narrar una situación. El agua siempre se ha asociado a los inicios, a la felicidad y a la calma, siento la última etapa a superar la aceptación.

 

 

4. Rubio – “Indonesia / Luz EP” (Dir. Paula Esp.)

Al parecer, España está recibiendo grandes dosis de innovación musical este año, con artistas a quienes ya no les alcanzan los moldes tradicionales para hacer música. Y ahora, por primera vez en el país, fue estrenado un EP visual, R, por parte de la cantante Fran Straube como parte de su proyecto solista, bajo el nombre Rubio, dejando un espacio para respirar de su actuación principal como estelar de su banda Miss Garrison.

Mítico y étnico, R de Rubio contiene referencias a las etnias correspondientes de la región, no muy adentradas ni muy dispersas. Justo entre el borde de lo fantástico y la mera etnología, conviven las luces y los vestuarios de piel que los actores de este ya cortometraje sacan a relucir bajo la luz de la luna. Sinceramente, la música no es nuestro objetivo y funge más como elemento que nos acompaña a adentrarnos a los rituales ocultistas; por otro lado, la fantástica edición la hace bien de parteaguas para considerársele un trabajo más profesional de lo que aparenta ser. Esto, aunado a la creatividad exponencial que hubo en el trabajo de cámaras, capaz de convertir una simple extensión de bosque en un amplio espacio de reinvención, es una combinación ganadora.

Todos lo elementos antes descritos son sino un aperitivo hasta que nos encontramos con el éxtasis del video, la cúspide donde todos los caminos se encuentran. Poco más allá de la exitosa transición de la primera canción a la segunda parte de la entrega, por ahí del minuto cinco, durante el coro: el maquillaje, la luz de luna, la apropiada vestimenta y la persecución en cámara, nos recuerdan por qué es tan importante experimentar en este mundo.

 

 

3. Caloncho – “Optimista” (Dir. Alexis Gómez)

Caloncho es probablemente el mexicano más famoso del momento en el país, y tiene una ola arrasante de fans que, sin juicio ni opinión, amarán su trabajo. Vamos a tener que dejar los plagios y los sentimientos personales a un lado para tener que enfocarnos en el arte.

Optimismo es el tema y primavera es la paleta. Rojos, verdes y amarillos vivos son en realidad los protagonistas de este video; todo lo demás se queda corto en cuestiones de brillo ante la cámara para apartar nuestra vista de la asombrosa nitidez y buen balance de sombras que contiene “Optimista”. Vibras hipster del más allá, luces de Navidad y la vibrante inocencia de la niñez -aquella que permite convertirnos en los superhéroes de nuestra propia historia- son los elementos que más predominan y los que, por cuestiones de ética no se tratan; los que injusta o íntegramente compraron a los espectadores.

Cierto o no, distraernos del sencillo pero poderoso mensaje social que predica es desaprovechar lo bueno que podemos tomar de lo que tenemos frente a nosotros. Si hay algo que podamos disfrutar, entonces, ¿por qué no?

 

 

2. Little Dragon – “Strobe Light” (Dir. IB Kamara + Kristin-Lee Moolman)

Son sumamente interesantes todas las convergencias que existen en la actualidad en la cultura afroamericana. Una cultura que, como ya sabemos, estuvo tanto tiempo reprimida está apunto de florecer masivamente como ninguna lo había hecho antes. Ya lo estamos viendo con los charts actuales, donde su género más emblemático, el hiphop, se ha convertido en el género musical más popular en América, alcanzando un pico histórico dentro de la escena.

Y ahora, Little Dragon, orgullosos de todo el progreso cultural, presentan ‘Strobe Light’, una oda al sector transexual, con todas las ramificaciones y variaciones que presenta. Esta es la historia de dos hombres seguros de sí mismos, miembros activos de la comunidad trans, y el mini documental sobre su estilo de vida con su crew de amigos, personas que consideran insuficiente al entretenimiento tradicional, personas que construyen su propio entorno de la manera en la que ven el mundo, que luchan por ganar lo que les fue negado.

Editado con efectos visuales de antigua VHS y ángulos muy old-fashioned (planeados así a propósito), ángulos francos, nunca pierde el mensaje social: pride.

 

 

1. A$AP Mob – “RAF” (Dir. A$AP Rocky and Austin Winchell)

Esta lista se cierra como empezó: con la incuestionable cultura al mando del momento, la sublevación de la cultura afroamericana y el reciente florecimiento de sus diversos ideales. Y en esta ocasión, el colectivo A$AP Mob rinde homenaje a las raíces de la moda emblemática que ha vestido y marcado su generación a lo largo de la carrera de la mayoría de los integrantes. Raf es el slang utilizado para referirse a la marca lujosa de moda, Raf Simons, un ícono histórico dentro del género, especialmente para el rapero A$AP Rocky, quien ha tenido múltiples firmas con la compañía y hasta ha colaborado con ellos para producir una línea de ropa llamada ’1995’, una colección de hoodies diseñadas a mano. Pero esta vez, se trata del colectivo y de todos los integrantes que lo conforman, más la colaboración estelar del rapero Frank Ocean, para celebrar todas las veces que colaboraron, dandi al público la imagen que ya es insignia distintiva de una corriente.

Una edición de fuego, sacando absoluto provecho de lo que una toma estática y un fondo acromático pueden lograr. Un pequeño glitch aquí y allá, moda lujosa en su punto de auge. Agrega unos buenos modelos y obtienes la mejor reconstrucción de la primera presentación en pasarela de la entonces pequeña campaña de moda Raf Simons, de 1995. Un culto muy de culto.

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