The Perfect Angle: Los mejores videos de junio

Juzgar videos musicales no es una tarea objetiva; en esta etapa tan moderna y tecnológica de la música, la diversidad de temas, conceptos y tratamientos ha crecido colosalmente, pasando por todas las alternativas y puntos de vista que la gente tiene siempre a la mano. El trabajo de los directores tampoco puede ser despreciado: ellos son, la mayoría de las veces, los responsables de darnos material tan icónico que pasa a la historia como marca generacional (o como un simple cliché más).

De igual forma, tampoco podemos dejar pasar desapercibidas las mejores producciones, los mejores tratamientos, las mejores luces acompañadas de los mejores cuadros. Siempre habrá algún visionario que tenga algo nuevo que aportar al mundo de la producción cinematográfica en la música y siempre habrá algo que aplaudir. Los mejores videos tienen muchos rubros que cumplir y, por lo general, no es cosa de suerte que la relación audio-video marche a la perfección. Esto es lo mejor que tiene el mes de junio para ofrecernos.

SZA – “Drew Barrymore” (Dir. Dave Meyers)

Todo, absolutamente todo, empalma a la perfección en el nuevo video invernal de SZA, la única persona capaz de hacerte sentir calidez con una estética que te hiela los huesos.

Desde icónicos cuadros hasta un perfecto manejo de iluminación, Dave Meyers usa todo NY como pañuelo para la cantante. Le da increíble nueva vista a la ciudad que nunca duerme, la acusa de convertirla en lo que es ahora y deja que se adueñe de la cultura del chilling. Y es que, después de esto, ningún video del estilo será lo mismo sin la vibra única de ZSA para ser la perfecta estrella. La cultura afroamericana de norteamérica nunca se había visto más viva y más comprometida con el progreso del país en un simple clip. Pero no es un camino fácil el que recorre la cantante; después de lanzar el mejor video de su carrera las empresas de medios se negaron a causar el revuelo que todo estreno merece. Parece que las mujeres – especialmente las de color – tienen aún una lucha que ganar.

Por otro lado, las corrientes estilísticas que colisionan para este momento son intercaladas, de forma delicada, en la guisa bipolar de SZA. Por una parte, el lado más pop nos evoca a estrellas como Marina and the Diamonds. Por otra, la destructiva vibra de hiphop remite a artistas como Travis Scott o Yung Lean. Sin duda, no es fácil tener el talento para llevarnos por todos los rincones de NY, un día completo, en sólo 4 minutos.

Mariana Päraway – “Verne y el Faro” (DMT Studios)

Los vecinos rockeros por excelencia han dejado un legado incomparable a las nuevas generaciones de artistas que surgen de ideas heredadas generación tras generación, uniendo igual de su propia cosecha. Es así que artistas como Mariana Paraguay nacen y obtienen los recursos necesarios para convertirse en un exponente potencialmente importante.

Inspirado en el El faro del fin del mundo de Julio Verne, Marina muestra más que explícitamente cómo es que se rompen las barreras del alma, cómo es que se madura, cómo una niña se convierte en mujer. Deja de lado todas las ideas misóginas sobre el florecimiento femenino y usa, en cambio, la empatía, que Marina trata de expresar para entender lo que se siente estar del otro lado del mundo. Bienvenidas sean todas aquellas mentes abiertas que quieren formar parte de esta nueva era, la etapa de la aceptación -la última del duelo-. Para tomar al cuepo humano, hay que entenderlo; pero no sólo eso, también aceptarlo y amarlo. Es el mismo caso con la naturaleza. Y es por eso que Concepto Cero, la productora, no tiene problemas en conseguir cuadros icónicos que nos hablan sobre el estado idóneo de lo que significa ser uno con la naturaleza.

Sia – “Free Me” (Dir. Blake Martin)

¿Qué puede hacer mejor a un gran video con una gran dirección? Una gran causa.

Sia lo sabe. Por eso, en colaboración con la fundación ARF (#endHIV), creó esta preciosa pieza de arte donde el dolor, la rabia y, de igual manera y misma magnitud, la esperanza y la vida conviven dentro de un interminable juego de poder. En él, las tornas vuelven y van a cada instante, dejando nuestra certidumbre crecer y crecer, navegando por una cuerda floja sin fin.

No hace falta ver este video más de dos veces para entender la metáfora de guerra que sucede ante la cámara, la desdicha que siente una madre al no tener el control sobre el destino de su futuro hijo, el miedo de pagar la dita que la obliga a ser una transmisora del virus del VIH. Mediante el arte de la danza, nos percatamos de cómo la luz, la pureza y el amor son la fracción que obliga a una persona a mover sus pies, a reaccionar ante las adversidades. Luego, la oscuridad, el peligro, la muerte: el contagio del virus termina siendo, a fin de cuentas, una posibilidad, un posible destino. Finalmente, la acción: la actriz Zoe Saldana, nos enseña a actuar, porque nadie va a ser el protagonista de tu lucha, sólo tú.

Alex Anwandter – “Cordillera” (Dir. Caco Marshall, rinoceronte.fm)

Chile, Chile, Chile. Es increíble cómo en un lugar de Latinoamérica se le puede dar un giro musical al contexto nacional, pero más increíble es la diversificación con que los artistas de allá se desarrollan oriundos.

El pop es, actualmente, el himno de Chile. Pero lejos de ser una justificación para el reciclaje de ideas y conceptos, se lleva a cabo una lucha por la originalidad. Es entonces que Alex Anwandter viene a darnos una lección sobre cómo filmar un video sobre una cordillera sin perder un sólo rastro de sus raíces y con un manejo increíble de cámara.

Un espacio excesivamente mayúsculo, un traje burlesco del antiguo presidente, Salvador Allende, y una caminata aturdida, sin sentido, hacen de una estructura simple un trabajo con mucho trasfondo político, una burla del pasado, un recordatorio de que las cosas nunca cambian. El verdadero protagonista de este video no es Alex, como podemos adivinar; son los emblemáticos fondos que nos ofrece el cielo de la cordillera y la cordillera misma. Bombardeos a la casa presidencial, saludos a Richard Nixon, Henry Kissinger, y el sinvergüenza Pinochet, entre otros; carabineros y su represión. La cordillera, por otra parte, ha sido estandarizada por los chilenos como su barrera contra el mundo exterior, su reclusión; cantar en ella es la mejor locación para realizar su protesta.

The xx – “I Dare You” (Dir. Alasdair McLellan)

The xx ya han hecho ejercicios de la recreación de otras épocas, pero todo parece indicar que han llegado a su conclusión, al pináculo de la reconstrucción.

Todo ha sido perfectamente planeado, desde los conceptos hasta la trama; existe una cohesión altamente cautivadora que nos atrapa. Pero no sólo eso, también nos transporta al lugar y tiempo exactos que nos proponen. Lo logran desde el prólogo, que se encarga de representar a la perfección estas décadas, hasta la introducción, genuinamente apegada a sus personajes y que te hace desear que esto fuera el inicio de un nuevo sitcom de ambiente (porque uno más no hace daño a nadie). Lo logran desde el rango dinámico de su cámara old fashioned hasta el efecto new-vintage que consiguen. Todos los aspectos están cuidadosamente detallados. Pero, por favor, que las actrices invitadas no desvíen nuestra atención del verdadero protagonista de esta producción: el contexto y todos sus elementos. La gama de colores tiene una selección tan magna, que incluso el contraste de noche no hace de un distractor en la trama; la naturaleza y la tecnología están tan precisamente incrustadas que difícilmente nos hacen creer que tales cosas no existían en los noventa. Y, por favor, nunca dejemos de venerar ese ópalo en el cielo, que hace de cualquier ángulo una joya.

Björk – “Notget” (Dir. Warren Du Preez y Nick Thornton James)

El mundo atípicamente desarrollado de Björk no es un mundo tan fácil de descifrar como pudiera parecer a ojos peritos. A tiempos, hermoso como la flor. Y a ratos, tenebroso y oscuro, como tus intestinos.

Vulnicura ha sido la pieza más dolorosa, ha confesado ella misma, de producir. Contiene vestigios de su pasado que son difíciles de procesar y la manera tan frágil con la que canta nos lo confirma. Por lo anterior, este álbum no podría quedarse en la historia sólo como sólo la reinvención más bizarra de Björk, por lo que planeó hacer una experiencia virtual para aquel -el primer álbum VR-. Fue casi como un mandamiento divino que se encontrara con los artistas visuales indicados para presentar esta producción, les diera a cada uno un tema de Vulnicura para trabajar y comenzara su proyecto tecnológico más ambicioso.

El video para “Notget” estuvo a cargo de Warren Du Preez y Nick Thornton James y ganó un Grand Prix en el aclamado Cannes Festival. Tenemos dos versiones de esta producción, tal como los VCR de antes: la versión de VR, que fue hecha para presentarse en un holoestudio exclusivo para esta obra, y la versión ‘casera’. que aquí presentamos y que en ningún sentido es inferior.

Esta experiencia resulta ser la oscuridad, un capullo, y la resurrección del espíritu creativo de Björk mezcladas con el cierre de una etapa más en su carrera, la madurez que adquiere a través de este proceso. Después de esto, colores y destellos simbolizan la esperanza para su noveno disco.

NOIA – “Itaca Tropical” (Dir. Joan Galo)

Es muy interesante la forma en la que evoluciona la península española y sus poco valorados exponentes más innovadores. Es digno de admirar la forma de trabajo de NOIA, ya que muchos artistas no se aventarían a tener este tipo de producciones, siendo artistas primerizos, sin al menos una base desmesurada de fans o fama para sustentar sus posibles fracasos. Ah, pero ese no es el caso de la suerte de aquella atrevida loable.

Bienvenidos sean todos los colores, todas los ángulos más atrevidos y los cortes inesperados, las referencias a animes que amábamos de niños y el pop art más modernista de la temporada; todos pueden pasar a vivir la “Itaca Tropical”. NOIA no se va con rodeos, escatimando en el detalle de sus fantasías brillosas al estar bajo la luz principal del escenario. Y de la mano con Joan Galo, han convertido sin problemas un set de rodaje en un lugar de encuentro para la luz del cielo, los vestidos exagerados y el maquillaje top. La coherencia que existe entre la música y la coreografía está tan bien planeada que tiene los rasgos necesarios para convertirse en icónica. El manejo de la luz que enmarca la cara de la actriz se siente tan natural que contrasta con su maquillaje a la perfección. Es, sin embargo, un poco triste notar cómo la mayoría de los artistas hispanos tienen que recurrir a productoras neoyorquinas para dar rienda a sus ideas más vívidas.

Arcade Fire – “Creature Comfort” (Dir. Tarik Mikou)

Una toma y una muerte. Arcade Fire nunca se ha caracterizado por la dimensión de aquellos videos pseudo-caseros, mayúsculos en creatividad, y esta no es la excepción. Adentrados en materia, no podemos lamentar que en realidad exista un relación directa entre las comodidades materiales: el concepto de esta canción y su clip. Pero es que debemos recordar que este es el segundo estreno para la nueva era de Arcade Fire y pensarlo, no como la muerte de una idea, sino como su renacimiento. Un regreso pop, donde finalmente se dan el lujo de ser sus propios protagonistas y de jugar con el fruto de su carrera.

Grabación de toma única, un mar de luces estroboscópicas y bailes casi improvisados son la marca de este video. Dentro de esta fiesta eléctrica, podemos ver a los integrantes muy metidos en sí mismos, jugando a ser niños, gritando y corriendo de un lado al otro. Excepto por Win, quien parece verdaderamente perder la razón y entrar en sí mismo para dar voz verdadera a su mensaje. Como cuando en un reloj muchas piezas parecen hacer todo el trabajo pero existe una no aparente sincronía, cada miembro tiene una coreografía auto-impuesta, haciendo dar vida al video siendo cada quién lo que es.

Incluso, una semana después publicaron un re-make del video, dirigido por ellos. Este tenía anotaciones en pantalla muy al viejo estilo de VH1, pero con datos falsos, como que miembros de la banda en realidad sufrían ataques epilépticos durante el rodaje, o que la banda entera adora al dios ficticio Cthulhu.

Ariel Pink – “Another Weekend” (Dir. Grant Singer)

“Another Weekend” es la fantasía west-side de Ariel Pink, rodeada de luces de neón, una banda norteña mexicana, tiroteos y esa sensación de post-comedia que ha desarrollado con los altos ilustrativos en su carrera. Todo eso aunado a una serie de fotografías de Bobby Jameson, a razón de culto, es la forma correcta de venerar a la legendaria influencia de los sesenta, inspiración de su próxima producción discográfica.

La quietud es nuestro éxtasis en este universo; un video que respira, hecho exactamente para poder analizar a detalle qué fue todo lo que en realidad quiso decir. Y, al contrario de muchos artistas que protagonizan sus propios videos, la humildad de Ariel deja ver en primera plana cómo su inocencia es el verdadero protagonista en cada una de sus tomas, haciendo de él un genuino actor de la vida. El arreglo de luces no es, ni por asomo de un grado, icónico, pero hace de un excelente relleno que da aquella vibra de comedia, haciendo de la locación y la genuina selección de banda oriunda mexicana un ambiente natural para ambas partes. Ahora nos queda claro que sus raíces mexicanas y la influencia de Bobby Jameson fueron los ingredientes necesarios para dar este resultado.

The War On Drugs – “Holding On” (Dir. Brett Haley)

The War on Drugs utilizaron su comodín al optar por un video de concepto gastado (en términos de la época actual). No podemos juzgarlo por la increíble relación que guarda la música con la grabación, su correlación – como salida de casa -, porque ese es precisamente un efecto colateral de este concepto, el de un visual. Si valoramos este producto como tal, su valor se desploma. Si, por el contrario, nos adherimos a los méritos que logra la actuación del grandioso Frankie Faison más el buen trabajo de cámara, encaramos un trabajo increíblemente simpático. Este es el día a día de un hombre viudo, bonachón, agradecido, y la historia de cómo logra redimir su alma a través del fruto de sus atributos: sus amistades. Sin distraernos, el punto fuerte de esta producción es la magnitud de su empatía, capaz de mover con conmoción. De aquello son responsables algunos puntos clave, como el reencuentro de Frankie con su pasado y el término de su travesía que, aunados a una locación boscosa, crean el ambiente de casa.

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