Listas

Los 10 LPs esenciales de Matador Records (post-2000)

Matador Records es una firma discográfica estadounidense fundada por Chris Lombardi, en Nueva York, en 1989. Mientras que, durante sus primeros cinco años de actividad (los cuales abordaremos en un artículo posterior), el sello se encomendó casi enteramente a la tarea de elevar los remanentes del No Wave y el noise de los setenta, su diversificación fue lenta pero segura. Hacia la llegada del nuevo milenio, Matador se había extendido a lo largo de los Estados Unidos y convertido en una de las principales casas de gestación para los géneros musicales independientes. Una amplia gama de estilos, que van desde la electrónica experimental hasta el jangle, el art-rock, el stoner y el punk (junto con su sucesor intelectualoide), habían encontrado, en la compañía de Lombardi, una enorme plataforma de exhibición y un aliado confiable para quienes buscaban la proliferación del arte musical. Los siguientes son diez álbumes indispensables de Matador, a partir del año 2000.

10.- Wakin on a Pretty Daze (2013) – Kurt Vile

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El quinto álbum de estudio del pensilvano significó una importante desviación con respecto de su trabajo previo como solista. La amplia medida en la que su backing band –en ese momento compuesta por dos de sus amigos más cercanos (Rob Laakso y Jesse Trbovich)- se involucró en la composición dio como resultado un íntimo y floreciente episodio de folk rock psicodélico. Kurt Vile relata el ordinario proceder de sus días en desplazamientos turbios aunque imperturbables, cuyo runtime suele rebasar el umbral de los seis minutos.

9.- Psychic (2013) – Darkside

El primer producto discográfico formal de la colaboración entre Nicolas Jaar y Dave Harrington es comparable al proceso de formación de una roca de migmatita. Desde los primeros instantes de “Golden Arrow”, Psychic se manifiesta como un fluido arcano, cuyos componentes brotan y se sumergen casi de manera accidental. Sin embargo, la presencia de una estructura se revela gradualmente. Incrustados en una base rítmica que a su vez sobrenada una emulsión de ambient, riffs de funk minimalista y blues, wobble basses y puntillismos trágicos de sintetizador comienzan a cincelar lo que inicialmente podría haber sido confundido con una pulpa amorfa; en su lugar, tenemos uno de los álbumes con más replay value de la electrónica experimental reciente.

8.- You’re Nothing (2013) – Iceage

You’re Nothing fue el primer lanzamiento de Iceage después de consumar su fichaje con el histórico sello neoyorquino. Aún así, en las vísperas del que sería un breakthrough definitivo para los daneses, el espíritu insurrecto en el art-punk de New Brigade se conservó intacto. Con los pliegues vocales siempre al borde del desgarre, Elias Bender Rønnenfelt dispensa su texto moralista. Los rasgueos como alambres de púas de Johan Surrballe Wieth y el bajo gravísimo de Jakob Tvilling Pless, cuyas cuerdas parecieran columpiarse flácidamente desde el headstock, envuelven los sermones de su frontman en una gruesa pantalla de hielo. El baterista, Dan Kjær Nielsen, tiene como único objetivo romperla.

7.- …Like Clockwork (2013) – Queens of the Stone Age

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A …Like Clockwork lo precede el largo y próspero recorrido logrado por Josh Homme, escuadrado, desde finales de los ochenta, por proyectos de la reputación de Kyuss, Them Crooked Vultures o Eagles of Death Metal. En el 2013, Homme expandió su línea de hardstoner hacia las aristas más vampíricas del art rock, invocando en el proceso a Trent Reznor, Dave Grohl, Elton John, Alex Turner, James Lavelle y a otros colaboradores de esa misma altura. Aunque el hasta ahora último lanzamiento de Queens of the Stone Age fue, en su mayor parte, autoproducido, la llegada de la banda a Matador fue el augurio de un resultado enfocado y conciso: la más aclamada de sus publicaciones desde Songs for the Deaf.

6.- You Are Free (2003) – Cat Power

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You Are Free, el que fuera el primer lanzamiento de material original inédito de Chan Marshall desde Moon Pix, de 1998, es reconocido como su mejor trabajo hasta la fecha. Cuando, en instancias anteriores, la cantautora estadounidense se limitaba a describir su disputa emocional interna, esta vez arrojaba sobre el lienzo sus resoluciones. Entre henos de folk, baroque y power pop -de los cuales Eddie Vedder y Dave Grohl son cómplices inesperados-, Cat Power canta algunas de sus verdades más estremecedoras en la eterna compañía de la madera, el cobre y el marfil.

5.- Silence Yourself (2013) – Savages

Mientras que los revivals de principios de los dos mil buscaron reanimar el post-punk a través de su absorción, el segundo renacimiento del género se ha propuesto lograr una isometría (al menos en cuestión sonora) de lo sucedido en los setenta y ochenta. Son los asientos ideológicos del movimiento, en cambio, los que se encuentran en plena transformación. El debut de Savages, tanto como In The Flat Field o Unknown Pleasures, se ocupa a sí mismo con una búsqueda tonal profunda, sísmica y cruda o insondable, según lo requieran las denuncias de Camille Berthomier Jehnny Beth“. Hacia el minuto treinta y ocho, las proezas instrumentales de Gemma Thompson, Ayse Hassan y Faye Milton se han fundido en una bilis negra y espesa que ensordece pero no ciega, que reprocha y reprueba con brutal honestidad. Silence Yourself, como lo manifiestan su nombre y su rostro, tiene una única demanda, extendida a los aduladores, los distractores y los deconstruccionistas.

4.- Album (2009) – Girls

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Girls, el proyecto de surf, psyche garage y power ballad de Christopher Owens y Chet “JR” White, lanzó su primer trabajo discográfico bajo True Panther Sounds -una filial de Matador- hace poco menos de una década. Album encontró aclamaciones casi de inmediato, pues, a través de la voz quebrada y el estilo dialógico de Owens, hasta el escucha más incauto podía presentir la pesadumbre de una vida desafortunada en apenas un par de líneas. Lo que separa a este de los abundantes álbumes autoflagelantes de nuestra época son su formidable sentido de esperanza y su deseo de redención.

3.- Twin Cinema (2005) – The New Pornographers

Encabezado por A. C. Newman de Zumpano, Neko Case y Dan Bejar (Destroyer), el colectivo canadiense de baroque y power pop se hizo de su público casi de manera orgánica; el creciente prestigio de los proyectos solistas que lo conformaban propició, retroactivamente, la elevación a status de culto de sus dos primeros álbumes. Por lo anterior, en el momento sincrónico en el que cada compositor se encontraba en el ápice de su prosperidad, las expectativas para un tercer lanzamiento de estudio se volvieron enormes. El resultado, Twin Cinema, es una sucesión inagotable de estimulaciones y eventos tonificantes. La diversidad compositiva y estilística -aportación de una triada heterogénea de mentes musicales- que se materializa en los ganchos, los arreglos instrumentales, las cadencias armónicas y las interpretaciones vocales nos regalaron uno de los más LPs más vibrantes de la tradición independiente moderna.

2.- Teens of Denial (2016) – Car Seat Headrest

Will Toledo construyó su carrera artística en Bandcamp, logrando la hazaña de publicar once obras (diez de ellas full-lenghts) en el transcurso de cuatro años. En mayo de 2010, la estampa de un joven de diecisiete grabando himnos de cenicero en la parte trasera de su auto -por sentirse inadecuado con el sonido de su propia voz- resonó con la demografía igualmente pubescente de la plataforma. Un año y medio después llegó Twin Fantasy, y con él la promesa de que la ética DIY de Toledo tenía esperanzas de llegar algún día al ojo del huracán de la industria discográfica. Finalmente, en septiembre de 2015, Car Seat Headrest anunció su fichaje con Matador y su primer lanzamiento sería Teens of Style, una compilación de sus backseat hits, re grabados en estudio. El siguiente eslabón de la cadena, Teens of Denial, subraya con ironía los sueños de estilo del pasado, tanto en texto como en ejecución. Las quimeras de la adolescencia se desdibujan con la llegada de la adultez y al adulto joven le cuesta dejarlas ir; cuesta romper cuerdas -vocales y de guitarra-, cuesta composiciones de más de siete minutos y cuesta citar a Dido al menos una vez. Hacía mucho tiempo que un álbum de lo-fi no sonaba tan ambicioso, maduro y, sobre todo, tan esencial.

1.- Turn on the Bright Lights (2002) – Interpol

Los primeros meses del nuevo milenio fueron algunos de los más oscuros que había vivido la ciudad de Nueva York, quizá más aún que los de 1929. Las calles se aparentaban vacías, mas habían sido ocupadas por imágenes de la decadencia encarnada, por la descomposición anímica. Como en muchas otras instancias adversas de la historia, la deliberación de muchos fue que sólo el tráfico cultural y artístico podían ofrecerle alivio a los subterráneos y los rascacielos lastimados de la gran metrópoli. De las mismas cañerías de las que habían brotado Television y DNA en la década de los setenta, fue regurgitado el post-punk revival. Previo al 11 de septiembre, The Strokes habían ascendido de la mano de Rolling Stone con la ya recurrente promesa de salvar el rock, pero los atentados provocaron la fragmentación del discurso: ¿por qué habría de ser salvado el libreto arcaico y sensacionalista del rock en primer lugar? Este fue el punto que marcó la llegada de Interpol a la primacía del panorama neoyorquino. Cuatro freaks de traje y corbata se convirtieron en el ideograma que personificaría el espíritu de los tiempos. Un contrato discográfico después, en 2002, Turn On the Bright Lights escapó de los sótanos en los que había estado naciendo continuamente durante los últimos cuatro años. Como caídos del duelo colectivo, los staccatos trigonométricos de Paul Banks, Carlos Dengler y Daniel Kessler y los fills de Sam Fogarino se volvieron indispensables en la leyenda de la “Nueva Ciudad”.

Menciones honoríficas:

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