7 grandes canciones poco conocidas de Sonic Youth

Con quince álbumes publicados, más de veinte sencillos y una trayectoria de treinta años, Sonic Youth se forjó una reputación notable en el panorama alternativo; desde sus inicios en las sórdidas rutas del underground de Nueva York (junto a bandas con inquietudes similares y estéticas disímiles) hasta llegar a ser, hoy por hoy, un referente, una banda de culto masiva. Casi a cotas iguales, han recorrido un camino largo, oscilante, a veces adusto y otras afable. Para una banda prolífica como ellos, que sacaban en promedio un álbum de estudio cada dos años -y sin contar los EPs-, es claro que tengan en su repertorio un extenso material. Todos conocemos sus celebérrimas canciones que fueron adoptadas como himnos a finales de los ochenta y los noventa, pero más allá de ellas hay vida: más canciones grandiosas que representan momentos específicos en la carrera de la imperecedera juventud sónica. A continuación están siete canciones que bien pueden colarse en una lista cualquiera de sus mejores composiciones, que han sido eclipsadas, que están a la altura de la reputación del grupo.

“She Is Not Alone” – Sonic Youth (1982)

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En la más cadenciosa y discreta pieza de su homónimo, las diáfanas guitarras parecieran ser un acompañamiento de la hipnótica línea rítmica, tan ambigua, que evoca un matiz tropical y siniestro por igual, algunos ruidos de tubos metálicos que chocan contra el suelo hacen su aparición al azar, Thurston repite sin cesar, como mantra profano, el estribillo y título de la canción hasta que susurra, entrecortado, la última palabra a la par que se extinguen las percusiones, sacándonos del embeleso. Pocas veces fue tocada en directo y cuando lo hicieron la alargaron hasta los seis minutos, modificando la textura general de la canción. Se recomienda escucharla con audífonos, los ojos bien cerrados y la luz apagada.

“Kill Yr Idols” – íd. (1983)

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Las heterodoxas afinaciones, marca de la casa, ya son palpables aquí. Thurston y Lee azotan sus guitarras con un angustioso frenesí apocalíptico, la lírica es una réplica a Robert Christgau -el decano de la crítica americana- que mostró una contundente displicencia hacia los trabajos anteriores de la banda y, en general, hacia la escena neoyorquina más inclinada a lo experimental. Después, ellos renombraron a la canción como “I Killed Christgau with My Big Fuckin’ Dick”. Las raíces más noise y punk de la banda confluyen y son explotadas con vehemencia a lo largo del tema, una muestra del poderío y de la energía estridente de la primera encarnación del grupo -ruido y furia por igual.

“Society Is a Hole” – Bad Moon Rising (1985)

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Unida a una de las mejores canciones de la época primaria de la banda -“Brave Men Run”-, mediante un sample del siempre vilipendiado y denso Metal Machine Music de otro neoyorquino iconoclasta, Lou Reed, es como inicia esta canción sombría y atmosférica. Es monocorde y áspera, opresiva por momentos, un descenso a los infiernos de la sociedad, la crudeza de la época capturada en cinco minutos que transcurren lentos; no sólo se hace ruido siendo ruidoso. El título es un malentendido de Thurston a una línea del tema “Rise Above” de Black Flag; la frase original iba: “Society’s arms of control”, pero él la escuchó como “Society is a fucking hole”, basando así la letra de la canción en esa fortuita tergiversación. En los segundos finales se pone en marcha una cinta de “Not Right” de The Stooges -otra gran influencia de la banda- reproducida a través de un amplificador. Nunca llegaron a tocarla en algún concierto después del ochenta y cinco.

“Androgynous Mind” – Experimental Jet Set, Trash and No Star (1994)

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Inicia con un misterioso y envolvente riff que servirá de fondo permanente, tocado por Thurston mientras canta acerca de la homofobia y la violencia hacia las diferencias en gran parte acarreada por el azote religioso. Lee, por su parte, se dedica a un soliloquio retorcido con su guitarra. Al avanzar la canción y la lírica, como la guitarra de Lee, comienzan a evolucionar en un torbellino que arrasa con todo a su paso. El chico andrógino vapuleado por ser homosexual podría ser dios, o dios es una deidad ambigua que proclama que todo está bien: si dios es gay entonces él está bien, todo está bien. Thurston lo reitera sin cesar: el ruido como catarsis, el viejo Sonic Youth transformándose en un nuevo Sonic Youth, el clímax del álbum. -Luchar por liberar la mente.- Debido al embarazo de Kim, la banda no pudo realizar un tour promocionando las canciones; la mayoría se dejaron para tocarse después del noventa y cinco, aunque Pearl Jam llegó a adaptar esta dentro de ‘Daughter’ en varios conciertos. La última vez que lo hicieron fue en el 2005 en Monterrey.

“Hits Of Sunshine (For Allen Ginsberg)” – A Thousand Leaves (1998)

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Esta canción amena y larga es un viaje -un viaje dentro de un viaje-. En medio del álbum que marcaría el último hito sustancioso del proceso sónico, se halla ubicada una pieza que se aleja por completo de la idiosincrasia de la banda. Vibran las cuerdas de la guitarra pero no explotan, Thurston parece recitar líneas vagas urdidas en un seductor discurrir psicotrópico, las bellas imágenes bailan a la par de la melodía hasta que son pausadas abruptamente; después viene esa parte tibia, etérea, rozando una grandeza psicodélica allende a un krautrock distendido y pleno. Continúa siendo el eje central el ruido; sin embargo, impregnado de una textura menos incisiva, podríamos decir que a partir del tercer minuto es cuando el grupo más se acerca al aura misma del post-rock. No por nada algunos críticos no dudaron en etiquetar así al álbum en su lanzamiento. Un tributo devoto a uno de los ídolos del cuarteto, Allen Ginsberg, a quien llegaron a conocerlo muy de cerca, lamentablemente moriría durante las sesiones de grabación del álbum.

“Sympathy for the Strawberry” – Murray Street (2002)

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Se presenta sobria, avanza tímida, se desenvuelve a medida que se invade el ambiente de una brisa cálida. Algo mágico se expande y es el alma de una banda que ha recorrido veinte años afianzarse en sus papeles; maduración. De repente ahí está la voz que parece que no cede a señales de envejecimiento, la de Kim, porque si alguien tenía que darle garganta a esta canción era ella, hablando de una relación familiarmente antagónica, de luz y sombra, pero con una sutileza precisa, con una inocencia desbordante. Porque si algo logran evocar estos nueve minutos es precisamente la pacífica sensación de inocencia, enmarcada incluso en la portada del álbum, protagonizada por la hija de Kim y Thurston: Coco Hayley. Su habilidad para dispersarse en las fronteras de los géneros permite que la banda explore hasta los confines de lo llamado alternativo, quizás hasta sin esforzarse mucho logran crear momentos sublimes, también explorar terrenos más melifluos, facetas poco reconocibles del cuarteto.

“Rats” – Rather Ripped (2006)

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Era imposible no incluir en la lista una canción cantada por Lee Ranaldo, el integrante circunspecto, el que se anega de energía, el que plasma el ruido, el caos, la variable que hace la dinámica del grupo. Es claro que otros temas que gozan de mayor popularidad como “Mote”, “Eric’s Trip” o “Pipeline/Kill Time” sean encumbrados y monopolicen la atención, pero “Rats” tiene un atractivo particular. Escrita e interpretada por Lee, se abre paso con un bajo repetitivo y punzante auspiciado por Thurston, que desde las sesiones del Goo no lo tocaba en una canción, mientras de fondo -como siempre- él satura el entorno con su disonancia, lo enrarece. Entonces, cuando las condiciones son óptimas, procede a soltar sus versos gélidos, salpicados de visiones pútridas y desalentadoras de lo que ve y siente, líneas grisáceas sobre la culminación de una relación, el incesante cavilar, el desprendimiento como amputación y, a pesar de todo esto, avanzar. Alterna pasajes de una quietud melódica liderada por Kim en la guitarra con profusos arranques de lucidez. Lee y compañía nos han ayudado, y seguirán haciéndolo, a sentir el ruido.

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