Los 25 mejores álbumes de dream pop del 2016

Por Adriana Vázquez y Urian Pizaña

El dream pop ha sido uno de los géneros más explorados dentro de los circuitos independientes de los últimos años. Desde su revival en los años dos mil, a pesar de algunos amuletos memorables, el género se ha infestado de clichés; se ha convertido, quizás, en el conejillo de indias del músico independiente quien, por falta de recursos (o de imaginación), escupe, una y otra vez, una versión ligeramente distinta del mismo concepto jangle. Si bien este estilo de música es bello, también se ha vuelto inofensivo. A veces pareciera que su desarrollo ha alcanzado un punto de inflexión. Sin embargo, el 2016 demostró ser un buen año para las manifestaciones musicales vaporosas; ha dado cabida a algunos de los experimentos más innovadores que esta variedad de pop ha visto en un buen rato.

Nota: Psychopomp de Japanese Breakfast y algunos otros posibles candidatos fueron omitidos porque ya son parte de nuestra lista de los 50 mejores álbumes del 2016.

25. Soft Hate – Memoryhouse

Memoryhouse

La banda canadiense lanza su segundo álbum, Soft Hate. Para esta entrega, Memoryhouse nos ofrece lo que parece el himno de una ciudad vacía que guarda recuerdos de tiempos alegres. La voces letárgicas nos inspiran nostalgia por aquello que está muy lejos o que está en el pasado, recordándonos que lo que vivimos ahora sólo son situaciones difíciles. Las percusiones místicas le dan textura a canciones como “Sarah”, que si bien es un tema de melodías festivas, nos habla de la muerte. El teclado repetitivo pero dulce de “It Was True” nos sugiere una despedida tortuosa pero resignada. Y los sintetizadores de “Dream Shake” hacen justicia al título del tema al inducirnos un sueño lúcido tan manso como desesperante. Soft Hate no es un álbum que podamos escuchar sin sentir dolor o, por lo menos, melancolía.

por Adriana

24. White Hot Moon – Pity Sex

Run for Cover Records

White Hot Moon es lo que Pity Sex nos dejaron antes de separarse en octubre del 2016. Con tan poco material (dos álbumes, dos EP en colaboración con otras bandas y un EP propio), la agrupación de Michigan logró consolidar un sonido característico, si no es que clásico. Fieles a lo que su nombre representa, el sonido de sus temas siempre es remitente de una situación afable pero trágica, de buenas intenciones y malos resultados. White Hot Moon no es la excepción de su línea temática-emocional ni de su estilo musical. La guitarra distorsionada y crespa es protagonista y autora de la mayoría de los efectos más memorables. Las voces tímidas de Brennan Greaves y Britty Drake nos reciben con calidez y se despiden con sumisión. La portada del álbum representa bien la atmósfera del álbum, la cual consiste en una soledad inexplicable que florece entre la agobiante saturación de la vida moderna en la ciudad.

por Adriana

23. Waver – Haiku Garden

Kapa Records

Waver es un EP que presenta a las dos principales cualidades del dream pop (la suavidad y la corrosión) en su ecosistema ideal de convivencia. A pesar de que, como entidad, Haiku Garden sigue siendo áspera alrededor de los bordes, la banda eslovena no escatima en ímpetu y energía; ambas facultades han estado, por mucho tiempo, ausentes de esta escena. Habrá que esperar que sus siguientes lanzamientos, sea cual sea la dirección estilística que se determinen a perseguir, se rindan igual de vibrantes que este corto primer ejercicio.

por Urian

22. Is the Is Are – DIIV

Captured Tracks

El segundo álbum de DIIV, Is the Is Are, nos deleita con una colaboración con Sky Ferreira para su quinto tema, “Blue Boredom”. En él, la voz de la artista nos conduce a través de una experiencia sensorial de desesperanza y cinismo. Zachary Cole Smith ha mencionado que gran parte de la inspiración para este álbum viene de sus conflictos con la drogadicción y la presión que los medios infligieron sobre él y Ferreira después de que la pareja fue arrestada. Esto resulta, si no evidente, distinguible a la hora de escuchar este trabajo. El sonido es cálido en el sentido en el que no es claro ni preciso; al contrario, la intención fue lograr un “sonido humano”, imperfecto y frustrado, casi desolador. Si bien esto no es algo nuevo para el dream pop, sí lo es para DIIV, ya que su primer álbum, Oshin (2012), resultó un proyecto mucho más lúcido y mucho menos personal. Is the Is Are es una experiencia más agotadora emocionalmente, su sonido inquietante nos sugiere un proceso de catarsis y desasosiego. Esta es la música que escuchamos cuando nos libramos de los problemas del pasado pero seguimos sin saber cómo enfrentar al presente.

por Adriana

21. Life of Pause – Wild Nothing

Captured Tracks

Con una instrumentación variada, el tercer álbum de Wild Nothing está hecho de la música que se escucha cuando ya se acabó la fiesta, todos están regresando a su casas y sólo se quedan las almas solitarias de quienes no quieren que acabe la noche. “Reichpop” nos sorprende con su combinación de arreglos orgánicos con guitarras distorsionadas y espaciales. “A Woman’s Wisdom” y “TV Queen” cuentan con las letras más elocuentes y las melodías más representativas de la esencia de esta entrega; al sonido tranquilo lo interrumpen, de vez en cuando, pequeños y moderados destellos de la luz de un clímax que nunca llega pero que satisface al escucha. Life of Pause es un álbum para cuando ha terminado de llover y sale el sol, pero el pavimento y los árboles siguen empapados.

por Adriana

20. Here to Fade – Tape Waves

Bleeding Gold Records

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Como el título del tercer trabajo de Tapes Waves sugiere, las canciones comienzan sólo para desvanecerse. Here to Fade es un álbum que más que ser protagonista del tiempo durante el cual suena, lo acompaña. El sonido es mucho más orgánico que el de varios álbumes de esta lista y no existe saturación, sólo efectos y reverberaciones en los pocos instrumentos que participan y en el trabajo vocal -el cual funciona como un instrumento más-. Las canciones no suelen tener elementos distintivos que las provean de un clímax o de una particularidad; en la repetición de un riff elocuente se encuentra la complejidad de la música. Este álbum es una sensación, un sonido de fondo, es el soundtrack de nuestra cotidianidad. Si se vuelve repetitivo, importa muy poco: cada canción es como un sueño que no opaca a la realidad.

por Adriana

19. Heavenly – Plastic Flowers

The Native Sound/Track & Field Records

Heavenly es uno de esos álbumes en los que los interludios son tan o más interesantes que las canciones. “Stay Home”, por ejemplo, es un cúmulo intrigante de ruidos, percusiones y samples que se amontonan armoniosamente sobre una base musical dulce y monótona. “Portal to Nowhere” es una sobrecarga de textura y percusiones. La sexta entrega de Plastic Flowers es una mezcla de resonancia adormilada y experimentación cautivante. A pesar de contar con la sensación melancólica propia del dream pop, este álbum se distingue por una positividad casi incongruente. Los temas sugieren al escucha emprender un viaje, tomar una decisión, dedicar un momento a la contemplación. Todo esto con esperanza y plenitud de por medio.

por Adriana

18. Disquiet Living – Hideous Towns

Lost & Lonesome Recording Co.

En este álbum debut destacan el sonido mucho más aterrizado y esclarecido (un poco en contraposición con la tendencia del dream pop de elevar su música a través de la difuminación y la reverberación) y el sabor a Stevie Nicks que deja la música de Hideous Towns. Los temas suenan decididos, casi enfadados; pareciera que la banda australiana busca deshacerse de las cualidades dream pop que se auto imponen. Sin duda, Disquiet Living tiene un fascinante aroma al rock de los ochenta. La primera parte del álbum es de carácter fuerte, de rebeldía o inconformidad. Pero “Don’t Look Up” rompe con el patrón para desviarse hacia un estado de ánimo más afligido. Las letras se convierten en súplicas, en reflexiones resignadas. Musicalmente, la música acompaña en tono a la voz, que es relativamente uniforme y homogénea. Esto puede hacer que el álbum resulte difícil de escuchar en su totalidad, pero lo compensa el hecho de que Disquiet Living es perfecto para acompañar una noche de desvelos, excesos, penas y furias.

por Adriana

17. Sonder – Fait

Inertia Recordings

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Sonder es el segundo EP de Elise Higgins, única miembro del proyecto llamado Fait. Los cuatro temas de esta entrega son instrumentales y parece que todos narran una catástrofe. Como ejemplo de esto, se distingue “Siren Song”, cuyas olas de sonido amenazan al escucha y lo sumergen en un estado de alerta y atención a la inminencia de un peligro desconocido. “Chasing Youth” devela lo que queda después de la tragedia, la consecuencia de la amenaza. “Reverie”, sin embargo, es más optimista y reparadora; sus sonidos acuosos y dulces son un descanso de la pesadumbre de los temas anteriores y siguientes. Sonder es una aglomeración del vaivén de sintetizadores inquietantes, percusiones orgánicas dispuestas como arreglos y guitarras que huyen atormentadas. Si bien es incierto si Higgins se refería a esto cuando nombró su EP, sonder es una palabra que se usa para encapsular un concepto que sugiere que todas las personas en el mundo tienen una vida en la cual ellas son protagonistas y los demás (incluyéndonos) son extras. El término sugiere la Otredad. Bajo este contexto, la atmósfera foránea de incertidumbre que la entrega construye es del todo pertinente.

por Adriana

16. Riffer – MELT

Danger Collective Records/Topshelf Records

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La banda de New Jersey se planteó como propósito dotar de un sonido alternativo al emo, liberándolo de aquellas cualidades que no envejecieron bien. En ese sentido, la etiqueta del dream pop es más una acompañante que una definición, pero es admirable que para lograr este objetivo hayan integrado elementos de dicho género -y de shoegaze– a su trabajo. Es así que tres estilos musicales caracterizados por su candidez emocional, su añoranza y su inmersividad sonora se reúnen en Riffer para formular una propuesta ambigua pero apreciable por los fanáticos de la sensibilidad, la textura y la creación de atmósferas. “NM”, un tema instrumental, es el ejemplo perfecto de esta consolidación, comenzando con su guitarra cálida y descendente para terminar con el vislumbramiento de una pared de sonido. En general, el álbum es honesto y compungido, tan sólo un poco preocupado por la inteligibilidad de su mezcla. Escuchar MELT es conocer a la angustia adolescente en una relación dialéctica con la pesadumbre de la adultez; propósito cumplido.

por Adriana

15. Pastel Dream – Pastel Dream

Spirit Goth Records

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Pastel Dream es el primer proyecto de la banda californiana Pastel Dream. En esta primera entrega escuchamos un sonido alegre y ligero, acompañado de letras astutas que resaltan por la impecabilidad con la que se les asignaron sus melodías. Las canciones son vagas y nos describen escenarios que, faltos de narrativa, evocan sensaciones e invitan a la audiencia a formular sus propias historias. Escuchar este álbum es un proceso hipnótico y casi catártico. Pastel Dream es placer oculto detrás de un velo delgado de tristeza, de esperanzas fútiles. No resulta exagerado suponer que a quien escuchamos cantar es a un fantasma resignado, vagando a través de un campo floreado.

por Adriana

14. Good Morning TV – Good Morning TV

Requiem Pour Un Twister

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El EP homónimo de la banda Good Morning TV es el místico trabajo con el que debutan su carrera. Desde el principio, que consiste en el tema “Ordinary People”, se hace evidente el estilo de la agrupación parisina. Este está marcado por la cualidad endeble de sus sonidos, un tipo de wah chirriante y áspero. Al mismo tiempo, hay en el fondo de cada instrumento una sensación de avejentamiento, de rugosidad anticuada pero armoniosa. Se hace evidente en “Advice for a Lonesome Body”, que es quizás el tema más interesante del proyecto. En él, el primer minuto le pertenece a la instrumentación y la experimentación por medio del ruido y los samples. La voz en capas y con reverb propia de “Storm Rider” -pero presente de manera sutil en el resto de las canciones- nos nubla la vista y nos entrega al desequilibrio mental. Good Morning TV trae de vuelta la deficiencia del sonido del pasado y la blinda con la innovación del sonido fatuo del presente dream pop.

por Adriana

13. No Illusions – Sulk

Perfect Sound Forever Records/Echo Drug Recordings

Después de la demostración ruidosa y abiertamente adolescente de britpop que fue Graceless (2013), la banda de Londres se encuentra a sí misma explorando con una paleta de sonidos más refinada. De una instancia en la que comparaciones vagas con el synth pop de The Wombats podrían haber estado justificadas, Sulk terminó por resolver una identidad que más bien suena a la amalgamación de todos los proyectos de Andy Bell (particularmente Oasis y Ride). Estas tendencias no son sorpresa ya que, desde su formación en el 2011, la banda se ha acompañado de ingenieros de audio como Ed Buller (Suede, Pulp) y Marc Waterman (Elastica, Swervedriver y, sí, Ride). Cada track toma prestados algunos elementos reconocibles de la tradición musical británica. “Black Infinity” es un pop rock mid-tempo cuyo riff parece haber sido tomado de “Fireworks” de Nicholas Hooper (del soundtrack original de Harry Potter y la Orden del Fénix). Algunas otras canciones (“The Only Faith Is Love”) buscan replicar la usanza sesentera de la instrumentación india y los modos mixolidios. En fin, aunque en un formato simple, No Illusions es un legítimo viaje a través de la historia del pop inglés.

por Urian

12. Almost Paradise – Suburban Living

6131 Records

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Este es el trabajo más largo de la banda de Philadelphia, Suburban Living. Las influencias de shoegaze son evidentes, pero la atmósfera soñadora y nostálgica le pertenece al dream pop. De cualquier manera, Almost Paradise es definitivamente un paraíso para la textura y la espacialidad. “Once/Twice” es la condensación perfecta del éxtasis y la calma; sus guitarras nos despreocupan hasta que entra el teclado para elevarnos hacia la melancolía más enérgica. La clásica explosión de sonido indistinguible se hace presente en “Two Years”, que funciona como el elemento de sublimidad del álbum. Relativamente, este es un proyecto mucho menos experimental, más digerible y festivo, pero el ingenio melódico que encuentra un escape a través de los efectos y los arreglos es portentoso. Es posible perderse en la intimidad de esta música a pesar de que nos encontremos en el espacio más concurrido.

por Adriana

11. Speechless – Savage Sister

Wild Patterns

Dos años después de su última entrega, Savage Sister regresa con Speechless, un álbum de melodías longevas y voces abstractas. Con riesgo de que suene contradictorio, podría decirse que la música que comprende este proyecto es abrumadora: es casi trascendental. Sus sonidos, aislados, son aquellos que se escuchan en sesiones de relajación (salvo por las percusiones, a las cuales podemos encontrar más fácilmente en el dance). Sin embargo, puestos uno sobre el otro, como sucede en este álbum, resultan estremecedores. Escuchar Speechless es entregarse al abandono o a la perdición. Después de los primeros temas, el escucha está volando tan alto que necesita aterrizar urgentemente por miedo a nunca regresar del trance. “I Could Live in Ecstasy” es el clímax (o el colmo) de la soltura de este proyecto; es una sensación o una idea, un estado mental incomprensible. Pero “Embody” le sigue, casi de manera estratégica, y nos permite regresar al planeta Tierra. Los sintetizadores son más familiares, más estimulantes para nuestros sentidos; podemos reconocer de nuevo nuestra materialidad. “Hands in the Flowers” y “Cocoon” son lo inverso: la primer canción es casi hogareña, pero la segunda nos envía muy lejos de nuestra realidad. Es así como Speechless está diseñado; y es tan pesada su ligereza…

por Adriana

10. Soft Dreams – Dear Tracks

Track & Field Records

Un EP que calca y ejecuta a la perfección el modelo del dream pop moderno; guitarras cristalinas y delgadas, arpeggiators, pianos recatados, baterías apuradas y mucho reverb son los interventores protagonistas de Soft Dreams. Para quienes ya estén familiarizados con álbumes como Gemini (2010) y Atlas (2014), esta pequeña colección de canciones puede provocar una sensación de déjà vu, pues es prácticamente una extensión de las ideas musicales exploradas en aquellos trabajos. Sin embargo, estos temas son capaces de sostenerse por sus propios méritos; las melodías son dulces, los ganchos memorables y los paisajes sonoros intermedios transmiten carácter. Con demostraciones como esta, parece que Dream Tracks tiene un futuro prometedor; seguiremos a la espera de un full-length de parte de Matt Messore y compañía.

por Urian

9. Never Was – Wy

Hybris Records

El primer EP de Wy es tan sublime y delicado como es imponente. La voz de Ebba es soberbia, trascendental y dueña de una pasión infecciosa. Es difícil escoger una sola canción que sea representativa del talento de la artista. “Hate To Fall Asleep” es quizá uno de los temas más elevados, junto con los coros de “Nobody Else”; ambos tienen la cualidad de fungir como himnos solemnes de la desdicha. “I Don’t Pretend” nos recuerda a la severidad del sonido de algunas instancias de Florence + the Machine. Es poco común que en el dream pop la voz sea protagonista (o, al menos, descifrable), pero Never Was es un trabajo poco común para catalogar bajo este género. La producción es ambiciosa y en muchas ocasiones se aleja de la crudeza que típicamente se busca por parte de otras bandas de este estilo. Sin embargo, existen aún sutiles paredes de efectos ambiguos que dotan a las canciones de una atmósfera escabrosa de fantasía, como sucede en “The God Concept”. Es una pena y una bendición que Never Was dure tan sólo veinte minutos; el escucha se queda con ganas de más pero es sabio, quizá, que esta música de pena gloriosa no dure mucho.

por Adriana

8. Hypatia – Wray

Communicating Vessels

Según las palabras de David Brown, el compositor, vocalista y bajista de Wray, mucha de la inspiración lírica presente en las canciones de la banda proviene de la ciencia. Esta declaración resulta bastante significativa al momento de escuchar su segundo álbum, Hypatia. El nombre de la obra (y uno de los tracks) hace referencia a Hipatia de Alejandría, la antigua matemática, astrónoma y filósofa griega. En correspondencia perfecta, hay algo inexplicablemente matemático al respecto de estos doce arrullos; quizás se trata de la forma en la que las interpretaciones de este trío de músicos rebotan la una en la otra. Quizás son los toques precisos del guitarrista David Swatzell o los acentos irregulares y demás experimentos métricos del baterista Blake Wimberly. De cualquier manera, este álbum es de un corte verdaderamente intrigante de dream pop y post-punk.

por Urian

7. EP – We. The Pigs

Discos de Kirlian

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El primer EP de We. The Pigs llega cargado de influencias de noise pop. El ruido de la guitarra es un instrumento por sí mismo y también funciona como arreglo vocal, como sucede en “I Didn’t Hurt”. A excepción del primer tema -que es más severo y sólido-, la música hace alusión a la portada del proyecto. La imagen de un campo y las letras de las canciones nos inspiran a mirar hacia atrás con alegría nostálgica, a pedirle al futuro que sea tan bueno como lo fue el pasado. EP es una excelente primera entrega que deja al escucha con la expectativa impaciente de escuchar más de lo que esta banda sueca tiene que ofrecer.

por Adriana

6. Golden Daze – Golden Daze

Autumn Tune Records

El sonido deslavado de Golden Daze hace un gran trabajo de revivir el pasado sin caer en la autoindulgencia. Entre los teclados vintage y el chorus de guitarra, aparecen destellos de The Monkees y The Mamas & The Papas y de otros actos más contemporáneos como The Clientele, Deerhunter y Connan Mockasin. Son pocas las ocasiones en las que el estreno discográfico de una banda puede presumirse tan maduro y bien logrado como en esta odisea de atardeceres psicodélicos. Ben Schwab y Jacob Loeb han producido un dream pop que, aunque arrebolado y alegre, supone un desafío de resistencia para el escucha. Cuando finalmente se supera, los beneficios son muchos.

por Urian

5. Nostalgia for Infinity – Sound of Ceres

Joyful Noise Recordings

Sound of Ceres es el segundo proyecto musical en el que han colaborado Karen y Ryan Hover. En esta ocasión, están acompañados por tres miembros de The Apples in Stereo y uno de The Drums. Mientras que la banda anterior de los susodichos Hover, Candy Claws, se interesó en proyectar un sonido rústico y silvestre que asemejaba las empresas más delirantes de Sufjan Stevens y múm, la música de Nostalgia for Infinity se inclina hacia sonidos sintéticos que, más bien, sugieren un viaje intergaláctico de ciencia ficción. Pero permanecen algunos elementos acústicos como los vientos (“Hand of Winter”), las guitarras (“Ember Age”) y el acordeón (“You’re me”). Esta suerte de sincretismo musical entre lo electrónico y lo análogo recalca un temperamento muy humano, representativo de la idea de encontrar nuestro lugar en el universo, ya sea como individuos o como una raza.

por Urian 

4. Sunless – Floating Room

Good Cheer Records

Hoy en día, es extremadamente inusual encontrar un álbum de bedroom pop con convicción. El jangle y la balada opaca se han convertido en arquetipos de una producción en serie en la que cada obra resulta más indistinguible de la anterior. Es por eso que el proyecto colaborativo de Maya Stoner y Kyle Bates resulta tan refrescante. Su debut, Sunless, viaja grandes distancias entre el slowcore, el post-punk y el dream folk  para aproximarse a su reconstrucción mental ideal de la nubosidad. Los matices en la música traspasan las líneas divisorias de cada track; “Sick Day” podría ser aproximable al ambient de The Caretaker y, sin embargo, se difumina cómodamente entre acústicos relucientes y riffs de post-grunge (“Warm Death”). En canciones como “Dead Weight”, las baterías de Stoner son tan imaginativas que nombres como Bryan Devendorf y Sam Fogarino vienen a la mente. El extensivo uso del tape delay (“Netsuki”) y los bajos de Alec van Staveren consolidan la procedencia gótica de la sección rítmica. Después de varias escuchas, es claro que el gray pop de Floating Room funciona mejor para los días perdidos y las noches tardías.

por Urian

3. Brunei – Vinyl Williams

Company Record Label

El eclecticismo adquiere cada vez más fuerza en el mundo del dream pop; ahora también existe dentro de una disposición que no teme utilizar recursos ajenos a las costumbres occidentales monocromáticas que el género ha retenido históricamente. Entre ideogramas egipcios y acordes disminuidos, Brunei logra extraer ideas armónicas y rítmicas de casi cualquier sendero musical. Además de ser fluido en un sinnúmero de lenguajes psicodélicos, Lionel Williams se conduce como un experto del groove, ya sea detrás de los teclados o el bajo -canciones como “Feedback Delicates” te hacen dudar de si este no es, en realidad, un álbum de Thundercat-. Todas y cada una de las interpretaciones instrumentales son alucinantes: las baterías y los acordes deformes de “Evol”, los motivos afro-tropicales de “Voidless” y las etéreas pisadas R&B en “The Presence of Absence”. Simple y sencillamente, el tercer álbum de Vinyl Williams es el argumento definitivo de que este género puede ser tonalmente rico, exploratorio y, por sobre todas las cosas, una cuna para la creatividad.

 por Urian

2. Balance – Lorelle Meets The Obsolete

Captcha Records/Sonic Cathedral Recordings

Los jaliscienses están de vuelta con una master class de psicodelia en todas sus formas y expresiones. El krautrock, el freak folk, el rock de los sesenta y el shoegaze/noise pop son algunas de las ascendencias que constituyen el cuarto LP en su haber: Balance. Como mantras, un motorik a batería, riffs cíclicos y otros mecanismos de repetición contornean las vocales de Lorena Quintanilla, acompañadas por un Roland Juno-60 (como el que fue usado en las grabaciones de Merriweather Post Pavilion) que tiñe de tornasol los fondos, ya sea a manera de estructuras cristalinas o asemejando formas orgánicas de vida. Algunas líneas de guitarra (“La Distinción”) son evocativas de Tom Verlaine en Television y las baterías perpetuas de Alberto González (“The Sound of All Things“) trazan la figura de Jaki Liebezeit en las épocas de CAN. En ocasiones, la disposición vaporosa de la mezcla es tal que se dificulta distinguir entre lo que se canta en inglés y español; el carácter místico del álbum, que busca elevar la iconografía de los estados alterados de consciencia -y que se basta con transmitir partículas abstractas de significado (símbolos)-, se beneficia de ello. Sin titubear, podemos decir que Balance es uno de los mejores álbumes que ha salido de nuestro país en lo que va de la década.

por Urian

1. Uncontrollable – Miserable

The Native Sound

Desde que decidió ausentarse de las giras de Whirr, Kristina Esfandiari ha mantenido una racha creativa casi monolítica. Primero como King Woman y ahora bajo el moniker de Miserable, nos ha ofrecido sus apreciaciones personales en el formato más ruidoso posible. Con Uncontrollable, demuestra una brutalidad sin precedentes en el cuerpo de sus créditos discográficos y un rango estilístico tan poderoso y amplio que, de no ser por algunos de los elementos más luminosos en su música, podría ser catalogado como blackgaze. El estándar moderno de producción suele aminorar la efectividad de los géneros que tuvieron sus orígenes en el lo-fi, pero la profundidad sonora juega a favor de estas canciones, de sus ambientes y dinámicas. Los silencios potencian cada clímax  y, a su vez, extienden el momentum de las palabras, pesadas y llenas de significado. Un par de referencias a Sylvia Plath y una gama infinita de nostalgias enmarcan un álbum ideal para derramar un corazón lleno de cólera.

por Urian

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