7 canciones que reinventaron la guitarra

Por Diego Galán y Sebastián Cors.

Para la música moderna, la guitarra ya paso a ser más que un instrumento. En la memoria musical este ya es símbolo un equiparable a algo como una cruz. Parece broma decirlo, pero la cultura popular ha logrado permear este signo hasta el más profundo de los rincones.

Sin embargom musicalmente hablando, este instrumento ha sufrido de un ciclo de transformaciones que continúa hasta el día de hoy y que no parece dar indicios de parar. De  Buddy Holly a Chuck Berry, de Ray Davies a Jimi Hendrix. Tenemos fundamentos para la historia. Aquí los otros momentos críticos que le dieron vida después de la muerte a la guitarra.

 

“Only Shallow” – My Bloody Valentine

Loveless (1991)

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El legado de Loveless es inevitable de admirar. En un principio quedando como una especie de álbum para audiófilos ahora es uno admirado en todos los ámbitos. El deseo de Kevin Shields y compañía no era uno simple pero sí uno definitivamente obsesivo. Loveless, pasando por 19 estudios y sinfín de peleas logró ver la luz del día y su repercusión fue descomunal.

Una riff grabado por un micrófono entre dos amplificadores, donde cada uno reproducía una tremolo diferente. Con unas cuantas tomas, las grabación serían retrocedidas digitalmente y procesada por un sampler al mismo tiempo. ¿El resultado de todo esto? Una completa renovación, una disrupción no solo a la guitarra pero el rock y pop, demostrando la capacidad de trascender argumentos como “melódico” vs. “experimentación”, explorando el significado de textura en la música como nunca antes, dando así una encarnación física y temible del famoso “wall of sound”.

 

“Sister Ray” – The Velvet Underground

White Light/White Heat (1968)

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No hay música alternativa sin The Velvet Underground. Esa es la verdadera importancia de este grupo que en un momento crucial para la música moderna llegó como villano y sus hijos son tantos que resultan difíciles de contar. Experimental, alternativo y punk son palabras tal vez completamente causales de la onda en el agua que crearon Lou Reed y compañía.

“Sister Ray” se presenta con un poco más de 17 minutos de una instrumentación a dos guitarras, batería, voz y un órgano que salía por un amplificador de guitarra. Esta realizada en una sola toma y abrazando cualquier error que surgiera en la naturaleza de esta improvisación pura dio una visión a todo músico posterior a The Velvet Underground. Esta, sobre la capacidad de hacer música, que es una independiente, integral, lejos de lo elitista pero también lejos de lo mediocre.

 

“Albatross” – Public Image Ltd

Metal Box (1979)

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El post-punk, deseoso de mezclarse en la comunidad creativa y enamorado de la idea que le proponía el sueño avant-garde, se vio en la necesidad de encontrar una “nueva” guitarra. El núcleo del rock por muchos años se había colgado de la guitarra que dominaba con papel protagonista, aquí el bajo y batería tomaron una responsabilidad esencial de nuevo. En pareja y fundamentados en groove se hicieron canciones donde la guitarra pasó a ser una accesorio para matizar y colorear. Esto en parte tal vez por el creciente deseo de romper el cliché del riff así como la implementación más dedicada de nuevos y atractivos efectos electrónicos.

Con Public Image Ltd. tenemos referente de este nuevo sonido. Keith Levene sería maestro instrumental de este cambio, al desarrollar un sonido lustrado, corrosivo y ácido; uno metálico, áspero y brillante donde la guitarra funciona como herramienta de adorno por su noción dirigida hacia el high-end del sonido. De aquí, saldrían infinidad de influenciados por este sonido que permitía ser igual de emotivo y violento pero con otros elementos.

 

“In Limbo” – Radiohead

Kid A (2000)

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Radiohead fue una de las bandas que menos batalló en los ’00 por encontrar identidad y sonido moderno sin comprometerse. Los clichés abundaban en su tiempo y todos querían participar de una manera o otra en esta nueva y prometedora escena electrónica. Cuando Radiohead entregó el Kid A, empezaría una etapa diferente pero igual de lograda que en sus esfuerzos anteriores.

La banda trabajó elementos de electrónica y ambient en su bien conocido rock de maneras creativas y elegantes. No solo aparecen estos elementos sónicamente, pero también tomaron de estos géneros un concepto de trabajo. Hubo una reestructuración completa en su instrumentación de rock para llegar a este fin, un rediseño de como ver sus instrumentos.

Escuchando “In Limbo” es perceptible este delicado trabajo que cruza por estilos sin comprometerse a estereotipos. Donde el trabajo de Jonny Greenwood, Ed O’Brien y Thom Yorke (por momentos) circula alrededor de los conceptos de síntesis como secuencias hipnotizantes, matices, texturización y adornos ambientales sin perder un enfoque en cosas más comunes como un buen riff.

 

“I Zimbra” – Talking Heads

Fear of Music (1979)

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Cuando los Talking Heads decidieron dejar de lado su sonido punk en favor de una estética new wave, tomaron influencias en la polirritmia africana y el world music para crear un lenguaje musical único. Para su tercer álbum, Fear of Music, la fórmula ya estaba más que perfeccionada, creando el preámbulo perfecto para su obra maestra, Remain in Light. El antecedente más claro de ese álbum, es la canción que abre el Fear, “I Zimbra”. Una melodía casi tribal, con un riff de guitarra que priva de todo sentido al Rock como se conocía hasta 1979.

El rol de la guitarra en los Talking Heads responde a un motivo con más peso rítmico que melódico, algo parecido a lo que sucede en el funk, pero a diferencia de este, la armonía sobre la cual se trabaja “I Zimbra” puede caer por momentos en lo atonal, creando intervalos muy bizarros para la música popular.

“Bulls on Parade” – Rage Against the Machine

Evil Empire (1996)

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Todo mundo ubica a Tom Morello como un innovador de la guitarra, pero sus experimentaciones más radicales no comenzaron hasta el segundo álbum de Rage Against the MachineEvil Empire. El álbum homónimo tiene momentos clave para la guitarra en canciones como “Killing in the Name”, “Know Your Enemy” y “Wake Up”, pero la técnica que se volvería su sello fue empleada como ejemplo más notable en el solo de “Bulls on Parade”.

La idea de Morello era imitar el scratch de un DJ con la guitarra, por lo que combinando su técnica de killswitch junto con un scratch hecho con su mano encima de las cuerdas, logró fusionar las dos tradiciones más importantes del rock y del hip-hop, para así crear un híbrido que resulta tremendamente efectivo y trascendental.

 

“Eruption” – Van Halen

Van Halen (1978)

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Hablar de Eddie Van Halen como un gran guitarrista es a estas alturas un cliché, pero siempre es necesario recordar la ruptura de paradigmas que representó la segunda canción del álbum debut homónimo de Van Halen. Un tema instrumental en el que la guitarra de Eddie es la única protagonista, donde muestra todo su arsenal de técnicas,  haciendo especial énfasis en el tapping.

Antes de Van Halen no se había popularizado un estilo tan radical y veloz para tocar guitarra, y a partir de su técnica, comenzaron a surgir cientos de guitarristas que vieron en Eddie la posibilidad de hacer cosas que no se creían factibles con el instrumento.

 

 

 

 

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